Während der Zeit der abstrakten Kunst des 19. Jahrhunderts wurden eine Vielzahl künstlerischer Stile und Genres ausgestellt. Künstler wollten Kunst schaffen, die nicht durch reale Beispiele begrenzt war und ohne sie existieren konnte. Infolgedessen repräsentierten berühmte abstrakte Kunstwerke die vielfältigen Veränderungen in Gesellschaft, Technologie und Wissenschaft.
Als Kunstform entstand die abstrakte Kunst aus dem Wunsch von Künstlern, Arbeiten zu schaffen, die nicht mit visuellen Bezügen zur Außenwelt in Verbindung stehen und von diesen nicht eingeschränkt werden. Abstrakte Kunst ist eine Möglichkeit, den Zwängen der Realität zu entkommen, und ermöglicht es Ihnen, imaginäre Inhalte zu zeichnen oder zu malen. Abstrakte Maler wurden von der Idee inspiriert, dass etwas abgelöst oder abstrahiert werden kann.
Viele verschiedene Arten von abstrakten Gemälden können anhand vorhandener visueller Referenzen entwickelt werden oder völlig von einer wörtlichen Darstellung der Welt abweichen. Es ist ein Genre, das Emotionen durch Farben, Formen und gestische Zeichen ausdrückt und diesem Genre eine einzigartige ästhetische Wirkung verleiht. Dieser Artikel wird 60 ikonische abstrakte Gemälde untersuchen und ihre einzigartigen Qualitäten enthüllen. Nachfolgend finden Sie die Geschichten hinter 60 der berühmtesten abstrakten Gemälde der Geschichte.
1. Die Sternennacht, Vincent Van Gogh 1889
Vincent Van Gogh Kredit
Wenn Leute das Wort Sternennacht hören, denken sie vielleicht, dass sie sich einen Nachthimmel mit vielen Sternen vorstellen, was genau der Titel impliziert. Van Gogh wollte etwas mehr malen als nur einen Nachthimmel voller Sterne. Van Gogh wollte etwas völlig Außergewöhnliches malen. Dieses Kunstwerk hat etwas wirklich Magisches.
2. Berge und Meer von Helen Frankenthaler 1952
Bildnachweis: Helen Frankenthaler
Lyrische Abstraktion ist eine Kunstform, die persönlichen Ausdruck ermöglicht. Es ist nicht wie Minimalismus und geometrische Abstraktion. Die ikonische abstrakte Künstlerin Helen Frankenthaler ist eine führende Vertreterin der lyrischen Abstraktion. Ihr Gemälde Berge und Meer ist ihr bekanntestes Gemälde. Es ist ein Paradebeispiel für lyrische Abstraktion und ihr erstes professionell ausgestelltes Gemälde. Dieses Gemälde, das durch Gießen von mit Terpentin verdünnter Farbe auf die Leinwand entstand, erzeugte brillante Farben, die sich mit ihr zu vermischen scheinen.
3. Ohne Titel von Wassily Kandinsky, 1910
Bildnachweis: Wassily Kandinsky
Wassily Kandinsky, ein Maler, beschloss 1920, seine Kunst von den sachlichen Fesseln zu befreien, die sie verbanden. In den folgenden Jahren wurde die abstrakte Kunst geboren, nachdem das Gemälde Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell) fertiggestellt war. Es zeichnet sich durch lebhafte Farben und große Abstriche aus, die die Grenzen der figurativen Kunst sprengen. Damit ist es das erste abstrakte Gemälde überhaupt. Kandinsky betrachtete Farben in seiner berühmten abstrakten Kunst eher als eine Möglichkeit, Emotionen auszudrücken, als die Realität zu beschreiben.
4. Full Fathom Five von Jackson Pollock, 1947
Bildnachweis: Jackson Pollock
Die Gemälde und Skulpturen der New York School präsentierten der Welt ein viel lebendigeres Konzept als die Gemälde des abstrakten Malers Ben Nicholson auf der anderen Seite des Atlantiks. Jackson Pollock, einer der bedeutendsten abstrakten Maler aller Zeiten, nutzte eine einzigartige Methode, um sein Unterbewusstsein mit energischen Farben und einer Vielzahl von Medien zu erforschen. Dieses abstrakte Kunstwerk führte eine neue Ebene der Textur in die abstrakte Malerei ein, indem es Ölfarbentropfen auf der Leinwand und Gegenstände aus dem Atelier des Künstlers verwendete, um die Angst der Nachkriegszeit darzustellen.
5. Komposition VII, Wassily Kandinsky 1913
Bildnachweis: Wassily Kandinsky
Kandinsky verwendet Schwarz, um die Umrisse eines Objekts oder Motivs darzustellen, aber er verwendet auch Farbe, um ein Gefühl von Tiefe zu vermitteln. Kandinsky ist mehr Komponist und Maler als Maler. Die inhärente Bedeutung von Farben ist nicht bekannt. Wenn sie nicht zusammen verwendet werden, haben Farben keine Bedeutung. Kandinskys Methode, Farben von einem zum anderen zu übertragen, wird Flow genannt. Wenn die Farbe Blau neben Grün platziert wird, entsteht ein völlig anderes Gefühl als wenn die Farbe neben Rot platziert wird. Die Leinwand besteht aus Farben und Texturen.
6. Senecio von Paul Klee, 1922
Dank an Paul Klee
Klees‘ Anpassung an den menschlichen Kopf teilt ein älteres Gesicht in vier Rechtecke. Daher ist der Titel eine Hommage an den Künstler-Performer Senecio, der flache geometrische Quadrate innerhalb eines Kreises wie eine Maske oder Flecken auf einem Harlekin darstellt. Dreiecke über dem linken Auge und gekrümmte Linien über dem rechten Auge erscheinen, als ob die Augenbraue hochgezogen wäre. Wenn Linien, mehrdeutige Formen und Raum kombiniert werden, werden die einfachen Elemente der grafischen Elemente des Gemäldes mit einer Energie aus dem Geist des Künstlers in Bewegung gesetzt. Das ist das Markenzeichen von Klees‘ Kunst.
7. Komposition I von Theo Van Doesburg, 1916
Bildnachweis: Theo Van Doesburg
Van Doesburgs Konzept des Elementarismus wurde in den 1920er Jahren mit Piet Mondrian entwickelt. Es war eine dynamische Entwicklung. Beide Pioniere erkannten die Notwendigkeit, dass Kunst über die Staffeleimalerei hinausgeht, und sie glaubten, dass eine solche Kunst die Welt prägen könnte. Sie kreierten ihre eigene Ästhetik namens de Stijl (der Stil für eine Weile). Sie entwickelten eine Methode, um die Welt in Formen zu visualisieren, die ihre philosophischen Ansichten ausdrücken konnten. Diese Grundprinzipien konnten durch eine bildliche Darstellung auf ihre einfachsten Bestandteile Linie, Farbe und Raum reduziert werden. Dies würde letztendlich zur Verwirklichung allen Lebens auf der Erde führen.
8. Rhythmus von Robert Delaunay, 1912
Bildnachweis: Robert Delaunay
Delaunays Kreise sind durch simultane Farbkontraste gekennzeichnet. Im Gegensatz zu traditionellen Gemälden lenken diese Werke die Aufmerksamkeit eher auf den nicht-objektiven Bereich als auf die Außenwelt. Es gibt einige Hinweise auf Sonne, Mond und Planeten, aber sie erscheinen nicht direkt in Relief: Rhythms. Ein weißer Hintergrund wird von leuchtenden Rot- und Blautönen geschmückt, die im Raum zu schweben scheinen. Dies war das Ergebnis von Delaunays Hingabe, zu untersuchen, wie Farben, Prismen und Glühbirnen interagieren.
9. Ellsworth Kelly 1951 Farben für große Wände
Bildnachweis: Ellsworth Kelly
Auf dem Höhepunkt des Abstrakten Expressionismus stellte Ellsworth Kelly in den 1950er Jahren mehrteilige, monochrome Gemälde aus. Seine Kunst war anders als die von De Kooning und Pollock. Obwohl er 1948 nach Paris gezogen war, spielte er während des Aufstiegs der New York School immer noch eine Außenseiterrolle, sowohl physisch als auch im übertragenen Sinne. Kellys Arbeit wurde von der Kritik hoch gelobt. Im Gegensatz zu früheren Abstrakten Expressionisten erforschte er Form und Farbe rein formal. Die Kunst, die Kelly schuf, gab den Ton für viele der folgenden Kunststile an, darunter Minimalismus, Hard-Edge-Malerei, Farbfelder und sogar Pop-Art.
10. Das Schwarze Quadrat von Kasimir Malewitsch, 1915
Bildnachweis: Kasimir Malewitsch
Malewitsch begründete Ende des 19. Jahrhunderts den Suprematismus. Es war eine Bewegung, die sich auf geometrische Formen mit einer begrenzten Palette konzentrierte. Ihm wird oft zugeschrieben, der Vater der geometrischen abstrakten Malerei zu sein. Das Schwarze Quadrat wird wegen seiner historischen Bedeutung oft als „Nullpunkt der Malerei“ bezeichnet. Malewitsch gab in dieser Arbeit keinen bildlichen Raum. Er hat es weggenommen. Seit der Renaissance steht das Thema der abendländischen Tradition im Mittelpunkt der Körpererfahrung. Es ist eines der bekanntesten Gemälde des 20. Jahrhunderts und gilt als abstrakte Kunst.
11. Mark Rothko, 1961, Orange, Rot und Gelb
Gutschrift an Mark Rothko
Rothko ist der Pionier des Farbfeldes, einer Malerei namens Abstrakter Expressionismus. Es ist ein Stil innerhalb des Abstrakten Expressionismus, der die Essenz der Farbe zum Hauptthema macht. Am bekanntesten sind seine symmetrischen Rechtecke in zwei oder drei Komplementärfarben, die symmetrisch auf Leinwänden angeordnet sind. Sein bekanntestes Werk ist Orange, Red and Yellow.
12. Abstraktes Bild 599 von Gerhard Richter, 1986
Quelle: Gerhard Richter
Der deutsche Künstler Gerhard Richter wird oft als der größte lebende Künstler bezeichnet. Es ist unmöglich, seine Kunst einem einzigen Genre zuzuordnen, da er viele verschiedene Werke geschaffen hat. Richters Serie Abstrakte Bilder ist sein gefeiertstes Werk. Abstraktes Bild war das erste Gemälde des Künstlers im Jahr 1976. In den folgenden 20 Jahren entstanden viele andere ähnliche Werke. Richter baut in seinen abstrakten Gemälden mehrere ungegenständliche Malschichten auf. Anfangs streicht er breite Bahnen von Primärfarben auf die Leinwand. Er entwickelt die Gemälde in Etappen, basierend auf seinen Reaktionen auf und Beobachtungen des sich entfaltenden Bildes.
13. Bridget Riley, 1961. Bewegung in Quadraten
Bridget Riley Kredit
Optische Kunst ist eine abstrakte Kunstform, die Formen, Muster und Farben verwendet, um optische Täuschungen zu erzeugen. Seit den 1960er Jahren ist Bridget Riley nach Victor Vasarely eine der prominentesten britischen Künstlerinnen. Dieses Gemälde zeigt ein Schachbrett, das sich verzerrt, beschleunigt und einen Eindruck von Tiefe und Bewegung erzeugt, wenn es sich seinem Zentrum nähert. Movement in Squares ist nicht nur Bridget Rileys berühmtestes Werk, sondern vielleicht auch das bekannteste Werk der optischen Kunst.
14. Paul Klees Zeichenmaschine, 1922
Dank an Paul Klee
Der deutsche Künstler Paul Klee erbte viele Ähnlichkeiten von seinen Zeitgenossen Wassily Kandinsky. Beide waren Mitglieder von Der Blaue Reiter (eine deutsche expressionistische Gruppe). Ihre künstlerische Entwicklung wurde stark von der bildenden und musikalischen Kunst beeinflusst. Klees ing Machine ist die berühmteste seiner Klangdarstellungen. Diese Illustration wurde mit Aquarell, Tinte und Ölen von Klee erstellt.
15. La mancha roja von Joan Miro, 1925
Bildnachweis: Joan Miro
Joan Miros Gemälde La red spot ist irgendwo zwischen abstrakter Kunst, Surrealismus und beidem angesiedelt. Es ist verspielt und kindlich zugleich. Dieser Künstler, der sich nie als abstrakter Maler bezeichnete, malte nur das, was ihm an einem ansonsten anstrengenden Tag in den Sinn kam. Das Gemälde La mancha reda (Der rote Fleck), das von unbewussten menschlichen Gefühlen inspiriert wurde, erweckte unsere Träume und Visionen zum Leben.
16. Nr. 111 Elegie an die spanische Republik Nr. Robert Motherwell, 1971
Gutschrift an Robert Motherwell
Robert Motherwells energische, aggressive Meisterwerke leiteten in den 1970er Jahren eine neue Phase in der Entwicklung der abstrakten Kunst ein. Seine einfachen Pinselstriche vermittelten sowohl die stoische Kraft seiner Bilder als auch seine seltsame Angst. Es gilt als eine der berühmtesten abstrakten Kunstwerke, da es eine starke Vitalität enthält, die einem das Gefühl gibt, als würde die Farbe von der Leinwand in den Raum explodieren.
17. Broadway Boogie Woogie von Piet Mondrian, 1942-43
Bildnachweis: Piet Mondrian
Mondrians Name ist ein Synonym für moderne Kunst. Es zaubert sofort Quadrate in Primärfarben, die in kräftige schwarze Linien gesetzt sind. Mondrians Landschaften in den Niederlanden sind vom Postimpressionismus sowie von Seurat und Van Gogh beeinflusst. Er war ein früher Modernist mit Gemälden, die von Postimpressionisten beeinflusst waren. 1913 wurde er in seiner Arbeit zunehmend abstrakter, als Ergebnis des Wunsches, eine spirituelle Verbindung mit dem Göttlichen zu erlangen. Sein Stil wurde erst 192021 vollständig etabliert.
18. Suprematistische Komposition: Fliegende Flugzeuge von Kasimir Malewitsch (1915)
Bildnachweis: Kasimir Malewitsch
Kasimir Malewitschs suprematistische Kompositionen entstanden nur wenige Jahre nach der Abkehr Kandinskys von der gegenständlichen Malerei. Mit Stücken wie Black Square (ebenfalls 1915) oder der suprematistischen Komposition: White on White wurde er schnell extrem reduktiv. Sein gemalter Realismus zeigte geometrische Formen, die über weißen Hintergründen schwebten. Stalin, der ein Stalinist war, erklärte die abstrakte Kunst nach dem Tod Lenins im Jahr 1924 zur bürgerlichen Dekadenz. Infolgedessen kehrte Malewitsch nach einer Repressionskampagne zur figurativen Kunst zurück.
19. Tableau I von Piet Mondrian, 1921
Bildnachweis: Piet Mondrian
Mondrian verbrachte unzählige Stunden damit, die Gemäldeserie auszubalancieren und ein harmonisches und raffiniertes Gleichgewicht zu erreichen. Die Leinwände sind ein Mikrokosmos für die ideale Welt, die sich Mondrian vorgestellt hat.
20. Ben Nicholson, Erleichterung von 1934
Bildnachweis: Ben Nicholson
Ben Nicholson begann seine Auseinandersetzung mit der Malerei in der turbulenten Zeit zwischen den beiden Weltkriegen. Er gilt als einer der bedeutendsten Maler der englischen Abstraktion. Nach dem Ersten Weltkrieg, als die Welt in den Zweiten Weltkrieg eintrat, war die Abstraktion eine wichtige Kraft in der Kunst, da immer mehr Maler sie als Mittel nutzten, um Reinheit und Unschuld innerhalb der menschlichen Rasse zu finden. Dieses monochrome (weiße Relief) Ölgemälde auf geschnitztem Brett von Ben Nicholson wurde von einer Kombination aus abstrakter Kunst, Konstruktivismus und konkreter Kunst inspiriert.
21. Christine Ay Tjoe (2013) Kleine Fliegen und andere Flügel
Bildnachweis: Christine Ay Tjoe
22. 1978, Herbst von Chu Teh Chuun
Bildnachweis: Chu Teh-Chun
23. 1962: Leda und der Schwan, Cy Twombly
Bildnachweis: Cy Twombly
24. Abstraktes Gemälde 599 von Gerhard Richter, 1986
Quelle: Gerhard Richter
25. Jackson Pollock, 1952. Konvergenz
Gutschrift an Jackson Pollock
26. Komposition X von Wassily Khandinsky, 1939
Bildnachweis: Wassily Kandinsky
27. Che Guevara von Gheorghe Virtosu, 2015
Bildnachweis: Gheorghe Vitosu
28. Moderne Bestäubung von Gheorghe Virtosu, 2016
Bildnachweis: Gheorghe Virtosu
29. Alien von Gheorghe Virtosu, 2016
Bildnachweis: Gheorghe Vitosu
30. Albert Einstein von Gheorghe Virtosu, 2017
Bildnachweis: Gheorghe Virtosu
31. Regenlandschaft von Wassily Kandinsky, 1911
Bildnachweis: Wassily Kandinsky
32. Winterharte Pflanzen von Paul Klee, 1934
Dank an Paul Klee
33. Schwarze Linien von Wassili Kandinsky, 1913
Bildnachweis: Wassili Kandinsky
34. Malerische Architektur von Lyubov Popova, 1917
Bildnachweis: Lyubov Popova
35. Couplet IV von Brice Marden, 1988-89
Bildnachweis: Brice Marden
36. Joan Mitchell 1992, Ohne Titel
Bildnachweis: Joan Mitchell
37. Nummer 5 von Jackson Pollock, 1948
Bildnachweis: Jackson Pollock
38. Blaue Stangen von Jackson Pollock 1952
Gutschrift an Jackson Pollock
39. Blau II, Joan Miro 1961
Bildnachweis: Joan Miro
40. Mark Rothko 1950, Gelb, Rosa und Lavendelrose
Bildnachweis: Mark Rothko
41. Paul Klees Tod und Feuer, 1940
Dank an Paul Klee
42. Nr. 7, Erwachsensein von Hilma af Klint, 1907
Bildnachweis: Hilma af Klint
43. Abstraktes Gemälde 726 von Gerhard Richter, 1990
Quelle: Gerhard Richter
44. Georgia OKeeffe (1926) – Schwarze Iris
Bildnachweis: Georgia OKeeffe
45. Der Radfahrer von Natalia Goncharova, 1913
Bildnachweis: Natalia Goncharova
46. Harmoniequadrate mit konzentrischen Ringen von Wassily Kandinsky (1913)
Bildnachweis: Wassily Kandinsky
47. Zwei Köpfe von KarelAppel, 1953
Bildnachweis: Karel Appel
48.
Villa Borghese von Willem de Kooning, 1960 Bildnachweis: Willem de Kooning
49. Improvisation 31 (Seeschlacht), von Wassily Kandinsky (1913).
Bildnachweis: Wassily Kandinsky
50. Windows Open Simultaneously (Erster Teil, Drittes Motiv) von Robert Delaunay, 1912
Bildnachweis: Robert Delaunay
51. Fehlstart von Jasper Johns, 1959
Bildnachweis: Jasper Johns
52. Die Taube, Nummer. 1 von Hilma af Klint, 1915
Bildnachweis: Hilma af Klint
53. Clown von Paul Klee 1929
Bildnachweis: Paul Klee
54. Circular Forms von Robert Delaunay 1930
Bildnachweis: Robert Delaunay
55. Blau und Schwarz von Lee Krasner 1951-1953
Bildnachweis: Lee Krasner
56. Komposition VIII von Wassily Kandinsky, 1923
Bildnachweis: Wassily Kandinsky
57. Ausgrabung von Willem de Kooning, 1950
Bildnachweis: Willem de Kooning
58. Ohne Titel von Zao Wou-Ki, 1969
Bildnachweis: Zao Wou-Ki
59. Klammer von Joan Mitchell 1989
Bildnachweis: Joan Mitchell
60. Vier Dunkelheiten in Rot, Mark Rothko 1958
Gutschrift an Mark Rothko
Letzte Worte
Die abstrakte Kunst hat sich im Laufe der Jahre enorm entwickelt, und viele Künstler haben sich entschieden, dieses Genre zu erforschen, ohne dabei gegenständlich zu sein. Abstrakte Kunst war eine Bewegung, die im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert entstand. Es behauptete, dass es keine Ähnlichkeit mit der natürlichen Welt habe. Abstrakte Kunst wurde von Künstlern geboren, die Kunstwerke schufen, die sich vollständig auf Referenzen aus dem Nichts stützten, bis sie vollständig von der Realität losgelöst waren. Abstrakte Kunst existierte zu Beginn des 20. Jahrhunderts als ein Medium, das die Vorstellung hervorrief, von etwas Realem völlig abstrakt zu sein.
Tom ist Blogger, Künstler und Technologieliebhaber. Er verbringt seine Tage damit, über die neuesten Entwicklungen in der Welt der Kunst zu bloggen, und er genießt es, seine Gedanken mit den Lesern darüber zu teilen, was es bedeutet, heute ein Künstler zu sein. Tom ist seit seiner Kindheit von Technik fasziniert. Doch erst mit 13 Jahren wurde ihm klar, wie viel Spaß das Erstellen von Websites machen kann. Tom ist ein abenteuerlustiger, lebenslustiger Kreativer. In seinem Blog rezensiert er Kunstprodukte und Technologie-Gadgets. Das tut er seit mehr als 5 Jahren. Er verbringt die meiste Zeit im Studio, am Strand oder beim Erkunden neuer Orte.
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